Malanleitung

Malanleitung
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1. Anleitung zum Malen und Zeichnen
2. Zeichnung – Bleistift, Kohle.     
3. ARBEITEN MIT FARBE.
4. Farbenkreis.
5. Sonstige Malweisen.
6. Abenteuer in der Schule.
7. MALEREI kleine Bilder.
8. Realitäts-Test.
9. Was ist für mich transzendentale WAHRNEHMUNG?
10. Gemeinsame Arbeit, wir sind alle die Künstler.

1,- Anleitung
Sie saß unglücklich an einem Tisch, und zeichnete etwas auf dem Papier mit Buntstiften. “Etwas falsch gemacht?” fragte ich besorgt. “Vorher, als du gezeichnet hast, schautest du zufrieden und glücklich aus”, kommentierte ich ihre  Arbeit. Schaute ich auf die Zeichnung über ihre Schulter.
Sichtbar waren dort kleine Figuren von imaginären Helden. Heute waren die anders als sonst, und hatten unübertroffene(einzigartig unproportionale), gezackte Formen. Nach einem Moment der großen Tränen – landete die Zeichnung in dem Papierkorb. 
Was passiert, fragte ich besorgt. Große Tränen in den Augen meiner Tochter, erklärte mir alles. (Ihr Versuch einer) Abbildung ist gescheitert. 
Ich nahm es heimlich aus dem Papierkorb. Ach ja, ich fand bald Ursachen. Schön glänzendes Papier ist nicht für Buntstifte geeignet, weil die nicht auf glatten Oberflächen haften bleiben. 
”In der Schule habe ich dieses Papier bekommen, wir müssen es machen. Ich wollte nicht hässlich zeichnen und dieses Mal kam (dies)es heraus.” 
Trotz der größte Wunsch, war sie nicht in der Lage, zufrieden(-stellend zu) zeichnen. Die Entscheidung inkompetenter Lehrer in der Schule, brachte später, zu Hause, eine Tragödie, in einem kleinen Herz des Kindes. 
Das gleiche passiert mit uns Erwachsenen. Die Unkenntnis der Materialien für die kreative Arbeit, die können für viele Jahre unsere Begeisterung stoppen und für weitere Arbeiten entmutigen. 
Das Mischen der Farbe, Ton-Einstellung ist zweifellos eine große Kunst, ein großes geistiges Fest. Aber es wird so(zumFest), wenn wir genug, von den von uns verwendeten Materialien wissen und keine Fehler mehr machen. (Von ungeeignenten Arbeitsmaterialien erwünschte Ergebnissse erwarten)

Arbeit wird dann ein Spaß, erhabene Erfahrung, oft sogar eine Euphorie, die Spuren auf dem Gesicht hinterlässt. Aber bevor das geschieht, werden viele Versuche gemacht und ungeschickter Kritzeleien, auf Papier oder Leinwand gebracht.
Viele Hindernisse lauern für den Maler-Neuling. Oft saß ich vor einer großen Leinwand ängstlich, ohne den Plan und ohne zu wissen, was jetzt zu tun ist. Wie kann man die Bilder überzeugen, dass sie selbst, zu einer schönen Form auf dem Leinwand erscheinen. Die Leere in der Phantasie hat mir das Vertrauen entzogen und in eine leichte Besorgnis (versetzt). Es ist mir oft passiert, besonders wenn mir eine Maltechnik unbekannt war. Nicht wissen, bedeutet zu wenig Konzentration und Aufmerksamkeit auf das gemalte Bild (zu haben-ausstrahlen.) Wenn sie ähnlich der Maltechniken war, die ich kannte, dann brachte mir das meistens einen Erfolg. Wenn sie schwierig waren, dass sie meine ganze Aufmerksamkeit absorbierten, dann konnte ich mich nicht genug, gleichzeitig auf Form und Farbe konzentrieren. Während solcher Versuche, mit den neuen Materialien, waren gemalte Bilder ein Experiment und meistens ein künstlerischer Misserfolg, die Hemmung der Begeisterung für die weitere Arbeit. Dann habe ich eine Arbeit ohne den Flair, und fühlte mich später niedergeschlagen. Solche Erfahrungen waren für mich sehr schmerzhaft. Ich hasste diese Ausfälle(Pannen). Eine Anzahl dieser Probleme erwarten Anfänger – ohne Ende. Nach vielen Jahren erschien Selbsterkenntnis zur rechten Zeit, zur Hilfe. Jetzt weiß ich, dass es eine gute Idee ist und eine richtige Entscheidung. Also. Was Sie tun müssen? Ziehen Sie Buntstifte in einer dynamischen Art und Weise. Linien sollten gleichmäßig in der charakteristischen Art, in unsymmetrische Systeme von Formen angeordnet werden.
Weg mit der Erleichterung und Vereinheitlichung der Formen. Jede Form ist anders, aber miteinander sind sie Einheit, die Schaffung einer hoch organisierten Form. So wird man größer, obwohl man immer kleiner bleibt. Größer, besteht aus Modulen, aber es hat seine eigene Form, die ein Vielfaches der kleinen Formen ist. Diese Idee schien mir hartnäckig im Geist. Nicht dessen bewusst zu sein, zog ich die Linien im Zorn, und ich überprüfte die Auswirkungen auf der Zeichnung. Diese Idee wurde verschwiegene Korrektur meiner Arbeit. Etwas außerhalb meines Geistes, beobachtete meine Fortschritte. Bei der Beurteilung des Schöpfungsprozess kämmen weitere Ideen, viel komplizierter. Wenn ausreichend umgewandelt desto einfacher ist es (geöffnet) in meinem Kopf, inspiriert noch härter zur intensiven Konzentration und der Arbeit. Beim Malen über mehrere Tage, habe ich leicht die Themen für zukünftige Gemälde gelegt. Sie waren eine Fortsetzung früherer Motive. Zwar war es die Fortsetzung des bekannten Motiv, aber es hat mich immer vorwärts bewegt. Als Kind war ich Kopieren berühmter Künstler. Noch in der Schule hörte ich einen Rat, eines erfahrenen Künstlers. Auf diese Art soll man nicht beginnen, junger Mann.. Du solltest selbst etwas schaffen.
Es ist der Zweck des Schöpfers, nicht alte Muster wiederholen, aber was neues selbst entdecken, etwas neues durchführen. Etwas Neues, neu, neu, es hammert mir bis jetzt in den Ohren. 
Wie ist es zu tun, fragte ich mich an diesem Abend. Entsetzt, war ich nicht in der Lage, mir das alles selbst zu vorstellen. Ich wusste damals nicht, wie sehr einfach es ist.
Erleichterung kamm durch die Fotografie, die ich in der Grundschule begonnen habe. Fotografieren die Nahaufnahmen verschiedener Sachen, ist eine unerschöpfliche Quelle von Ideen. Aufgelockerte Fragmente von Rinde( Hautbaum), Tücher, bunten Zeitungsausschnitten und verschüttetes Benzin auf dem Wasser, lässt sich leicht fotografieren. Ich beobachtete sie und inspirierte die neue Muster zu schaffen. 
In einem halben Meter Sandkasten, legte ich die schönsten Landschaften, ein kleines Vorschaubild, der großen Felswand. Teile des Rasen wurden unbekannte Teilen der Welt und verbrannte Streichhölzer die Balken in den riesigen Trümmern der Dschungel.
Gezwungene Inhalte in ein Bild einzugeben, vermeidete ich gerne und spielte mein eigenes Theater. Ich zog lieber das sorglose Kaninchen Spiel der Farben durch, als die Geschichte aufwendig im Bild zu bauen. Einfache (unkomplizierte), ästhetische Untersuchungen waren interessant genug für mich.
2. Zeichnung – Bleistift, Kohle- Malanleitung
2. Zeichnung – Bleistift, Kohle.2. Zeichnung – Bleistift, Kohle.
Sehr oft kopieren die Anfänger gierig herausragende Künstler und absorbieren dabei ihre Malweise. Am Anfang der künstlerischen Entwicklung ist es sinnvoll, weil die Praktiker der bildenden Kunst eine Inspiration wie auch eine Vorbildfunktion erfüllen können. Das Abmalen ist einfacher als die Herstellung eines eigenen komplexen Planes im Bilde (Zeichnung). Es lässt den anfänglichen eigenen unreifen Stil in den Hintergrund treten und gibt Möglichkeit einen sichtbaren Abdruck der Erfahrungen des kopierten Künstler mit seinen eigenen Pinselstrichen und Farbmischungen zu erreichen. Dies tat ich ebenfalls und verbrachte viele Monate um die Form von Gemälden von reifen Künstlern zu erlernen. 
Es schien sehr schwierig ein Gesicht selbständig zu zeichnen. Bis zum heutigen Zeitpunkt kann ich nicht ganz die Veränderung nachvollziehen, welche mir während des Zeichenprozesses widerfahren ist. Gezeichnete Gesichter kamen näher und näher zu mir.

malanleitungIhre Form trennte ich in Stücke und merkte sie mir mit zunehmender Leichtigkeit. Ich machte die Bekanntschaft mit den unterschiedlichen Typen von Augen, Nase und Mund. Durch das regelmäßige Zeichnen kamen mir die Linien und Formen nach und nach bekannter vor, so dass ich beginnen konnte effizient den Abstand zwischen ihnen zu bestimmen, dadurch ist mir das Zeichnen des Gesichts viel-mal besser gelungen.Malanleitung
Ein Portrait beginne ich mit einer Art Raster, indem ich zunächst die Hilfslinien zeichne und dann die Augen, Nasenlänge und komplette Größe des Absatzes (Kinn-Ansatz) ausrichte. Wenn ich schon etwas neu gezeichnet habe, beschreibe ich die Umrisse der äußeren Kontur des Gesichts. Eine ovale Form zeichnend, versuchte ich die Biege-Linie der Wangen, die Vorwölbung des Schädels und der Länge des Kinns zu bestimmen. Ich falle in eine Art intensive Konzentration, eine Verlängerung der Atmung ohne das Hören von Stimmen aus der Umwelt. Nach vielen Jahren des systematischen Zeichnens, läuft für mich der gesamte Prozess der Messung (Proportionsbestimmung) sehr schnell. Ich sehe und merkte mir leichter das Gesicht, den ganzen Charakter, der gezeichneten Person. Es ist eine Art verstärkte und sichtbare Erinnerung, die ich länger in den Augen (der Aufmerksamkeit) behalten kann. Das Zeichnen einer Ähnlichkeit wird dann ein sehr einfaches, und ist nur begrenzt an dem Gesicht schnell genug zum Papier zu übertragen. Was mag ich am meisten. Menschen, die ihre Hand an einem Portrait versuchen und schon einen Erfolg mit der Erstellung von Natur (Stilleben und Landschaft) hatten, erwartet jetzt ein großes Problem. Die Absicht der Bestimmung der Kopf-Proportionen kann für sie sehr schwer sein. Stundenlanges Beobachten des Gesichts muss leider nicht helfen und provoziert unter Umständen auch Entmutigung. Der erste Schritt wäre das Vergessen der symbolischen Wahrnehmung, der Fragmente des Gesichts. 
Während des Gesprächs sind wir auf die Augen und den Mund konzentriert. Aus diesem Grund behandeln Anfänger ein Gesicht wie eine universale, ovale Fläche, auf die sind die Schlüsselelemente zugegeben (eingezeichnet). In den Augen sind wichtigsten (Elemente) für sie die Pupillen. Die Lippen sind getönte “Knödel”, als hätte ihre rote Farbe eine überragende Rolle in dem ganzen Gesicht gespielt. das Nasen-Loch kann eine ungeheure Bedeutung haben, ohne die wäre das gemalte (gezeichnete) Modell sicherlich erstickt. Das Loswerden der Elemente der symbolischen Bedeutung (und der zeichnerisch symbolischen Darstellung) des Gesichts, ist das häufigste Problem für den Anfänger. 
Um sich von der täglichen Routine zu befreien, stellen wir uns das Gesicht vor, als ein Pflasterkopf (Kopfform aus Ton in der Bildhauerei) oder monochromatischen Skulpturen. 
Weiße Gipsabgüsse, einiger alter Helden, ohne Farbe, lebensgroß, wären perfekt für die Kunstanfänger, weil diese viel einfacher wahr zu nehmen sind, als ein Live-Gesicht. Es wird einfacher für uns die wesentlichen Punkte (Fehler) zu vermeiden und sie einfach zu ignorieren.

Zu Beginn des gezeichneten Gesichtes sollte es charakteristisch und leicht erkennbar sein. Wir schaffen in der Vorstellung ein universelles Gesicht, auf das das neue Modell angepasst wird. Jedes Gesicht hat eine ähnliche runde Form, ist aber anders an verschiedenen Standorten gebogen. Was dann geschah? Wie unterscheidet sich ein gezeichnetes Gesicht von dem universellen Gesicht? Durch das Zeichnen von Linien, können wir das Gesicht, als kartographisches Raster (skizzieren). Wir sehen durch diese Übungen Zusammen-bruch (Hänge) im Raum des Gesichtes. Indem wir es von verschiedenen Seiten zeichnen, vertiefen wir seinen Eindruck (Ausdruck) hinsichtlich seiner Form. Jede nachfolgende Zeichnung, wird unsere einzige (iniverselle) Form nur bereichern. Wir werden in der Erinnerung seine verschiedenen Varianten sammeln. Durch die Eingabe (das Vorstellen) der Zeichnung bilden wir eine Idee von dem Ergebnis unserer Arbeit. Wir wollen schliesslich, dass das Bild schön wird und (uns mit Genugtuung erfüllt)…….. 
Wenn jemand auf diese Auszeichnung loswerden (verzichten kann) und darüber genügend nachdenkt, dann könnte das auch in der Zukunft das Ergebnis seiner Arbeit, die Art und Weise (wie jemand das Erlebnis “zeichnen” erfährt) verändern. Wenn (uns Zeichner) etwas (aus der Zeichnung heraus) in der Mitte sich Selbst, zwingt einem gleichmäßigen Schatten zu ziehen, sanft gerundete Kanten im Gesicht, dann tun Sie es wie (mit) einem frechen, kraftvollen Stiftschläge (-Schwung), den Konturen der Zeichnung eingeben (hinzufügen). Lassen Sie (von der lebendigen Zeichnung) ihren Geschmack (Manierismus) ändern, und trotz der Vorliebe und Gewohnheiten, kritzeln Sie die ganze Oberflächen den Gesicht mit einem sanften Gitter aus Zeilen. In den frühen Jahren der Lehre (des Übens) ist es sehr wichtig von den Amateur-Vorstellungen, den Kinder-Konzeptionen loszuwerden (freizukommen). Sie entstanden in unserer früheren (Schul-)Periode, bezogen auf die ausgereifte Arbeit des Künstlers. Suchen Sie nicht die Kraft, um dieselben Ergebnisse (bestehender Kunstwerke) zu erzielen, da es unmöglich ist. Es ist ein Schritt für Schritt (Ablauf) nötig um die gleiche Erfahrung zu sammeln. Zu Beginn ihrer Lehre werden einer Person mehrere (scheinbar sinnlose) Leistungen (Aufgaben) ohne Geschmack auf getragen. Sind sie offen für neue Forschung? Sie kommen so einfacher an die reiferen Aspekte von Gemälden, ihr gemeinsamer Boden für die eigene innere Anerkennung . Das Loswerden der Zufriedenheit mit dem Nutzen des Linienhaften zu lernen, ermöglich uns Hell-Dunkel auszurotten. Sie lernen, um das Objekt, wie als Bildhauer, wie ihre Hände (sehend) tief in die Mitte des Objekts eindringen . Drehen Sie das Gesicht in der Phantasie, ist die Verbesserung der Phantasie. Eine wunderbare Übung ist eine Skulptur des Kopfes aus Ton zu zeichnen und zu beobachten. Ein mal den fett-schweren Ton in seinen Händen zu haben, um sein Gewicht im Raum zu erleben. Stellen Sie sich bei ihrer Zeichnung vor, wie das Stück Ton geformte Wicklung (Bogen) ist, und nicht als eine flache Platte. Zu Beginn der Übung würde ich Porträts für 15 Minuten zeichnen. Dies zwingt uns zu einer schnellen Entscheidung, sie scheint mir die wichtigste Kraft in der Kunst der Zeichnung. Wir versuchen nicht, die Zeilen (Linien) für Stunden an der richtigen Stelle zu suchen, aber zwingen zu tapferen Bewegungen. Könnte die (An-)Zahl der Zeichnungen, ohne Verlegenheit in der Schublade versteckt bleiben, beginnend mit der zweiten, dann dritten und vierten Zeichnung? Wiederholte Versuche beschleunigen deutlich unser Wachstum. MalanleitungJeder Versuch, zeigen mutig die Form des Gesichts, und ist ein kleiner Schritt für den künftigen Erfolg . Eine weitere wichtige Übung ist es ein Schatten Gesicht zu zeichnen. Wenn wir in der Lage sind, innerhalb von Sekunden die Natur, Charakter des Gesichts wahrzunehmen, können wir unsere linearen Versuche mit Helldunkel bereichern. Wir haben viele technische Möglichkeiten. Wir können sie in Bleistift, Kohle, Pastell ausführen, etc. Jede dieser Techniken erfordert einen anderen Hintergrund der Zeichnung. Bleistift kann man auf den meisten zur Verfügung stehenden Unterlagen anwenden. Etwas in Kohle und Pastellkreide zu ziehen, dazu sollten wir Materialien mit rauer Oberfläche wählen. Trotz Zusagen der Hersteller, ist nicht alles für unsere Zwecke geeignet. Eine Ebene skizziert in dunkler Holzkohle, können wir mit dem Finger das schwarze Kolenpulver sanft verreiben, um eine einheitliche Ebene zu erhalten. Die Dicke der Finger reibt schnell und verwischt in einer Bewegung die gesamte Oberfläche, was mit einem Schlag unserer Arbeit beenden kann. Während einer langen zeichen-Sitzung, sollten wir auf feuchte Hände achten. Sie können unerwartet Fettflecken an Orten lassen, wo sie die nicht erwarten. Ich wusch die Hände häufig während dem Zeichnen.

MalanleitungManchmal benutzte meinen 4 cm. breiten und harten Pinsel um die Kohle der Zeichnung anzureiben. Zum Eintragen eines Halbtons ist er hervorragend geeignet. 
Um die Schattierung zu erfahren, empfehle ich Ihnen ein paar Abende mit der Überprüfung der Gesichter zu verbringen und ihre wechselnde Beleuchtung zu beobachten. Von der Rückseite schauen und auch von Oben. Wir werden sehen, wie die Grate und Konkaven des Gesichtes im Schatten weg(-gleiten), oder sie werden plötzlich sichtbar. 
Wenn wir keine Gussfigur erhalten, ist es leichter zwei Spiegel zu Hause zu finden. Mit ihrer Hilfe, können wir einander von verschiedenen Seiten sehen. 
Es ist sehr wichtig, systematisch zu zeichnen, sogar auch nur für mehrere Minuten pro Tag. 
Für Ungeduldige guter Ergebnisse empfehle ich, immer einen Bilderrahmen bereit zu halten. Wenn wir nicht genügend zufrieden sind mit dem Ergebnis unserer Arbeit, können uns manchmal die Rahmen um das Bild (eine Hilfestellung sein, um) zu gefallen, dass wir mit einem sehr erfolgreichen Kunstwerk flirten. Deutlich verbessert es die Stimmung in der Zeit künstlerischen Dilemmas und ist sogar besser als ein Glas guten Weines. An der Schattierung mit einem Bleistift, müssen Sie geduldig sein (üben), denn der kleine Durchmesser einer Zeichnung des Kerns (Mine) des Bleistift erfordert viele Handbewegungen um die Mitteltöne in dem Gesicht zu vervollständigen. Der resultierende Effekt auf dem Papier, bestimmt die Art und Reihenfolge der Bewegungen der Hand, sein Schwerpunkt und Stärke (Struktur der Oberfläche) des Papiers. Die Wahl der Bleistifthärte ist von großer Bedeutung. Zu weicher Bleistift wird (erscheint) geschwärzt und harter Bleistift erlaubt uns nicht größere Flächen leicht zu schattieren. Unter den verschiedenen Zeichnungen ist Kohle eine sehr lockere und verhindert ein detaillierte Arbeit. Sie ist geeignet für großformatige A1. Für lebensgroße Porträts, empfehle ich die Kohlen im Holzgriff. Mit denen können Sie die kleinsten Details zeichnen und leicht verwischen; große Flächen mit dem Finger oder einem Pinsel. Sie finden viele Arten von ihnen, von unterschiedlicher Härte. Sie sind auf die verschiedenen Papiere und Mal-Motive angepasst. Einige verlassen sogar die Ausbuchtung (Vertiefungen im Papier), wie Wachsmalstifte, was ist sehr nutzbar bei zitternden Formen und Objekten, z.B. strukturellen Blütenblättern oder verschiedenen körnigen Stoffen. Der Begriff Kontrast ist ein sehr wichtiger Teil der Zeichnung. Wenn wir die weißen Steine verstreuen und unter ihnen liegt einer grauer, dann ist man gezwungen eine Zeichnung zu definieren, wir werden diese weiche (Färbung als) grauweiß bestimmen. Damit der graue als schwarz erkannt wird, sollten wir die gesamte Fläche von schwarzen leicht vernebeln, und werden die Schwärze auf seinen tiefsten Schatten leichter zu bestimmen (festlegen). Die weißen sind mit einem Halbton einfach zu runden, aber dere schwarze, bis er einen notwendigen Kontrast bekommt, sollte durch das tiefste Schwarz ergänzt werden. Es wäre eine einfache Zeichnung ohne den schwarzen (dunklen Stein). Wir konnten die weißen, unabhängig vom Frequenzbereich verdunkeln, durch den schwarzen, müssen wir mit Vorsicht handeln, damit für diesen schwarzen Stein genug tief-schwarze Schwärze bleibt.
 (Angesichts der Farbtöne von weiß bis vollständig schwarz, sind wir gezwungen, die Schattierung auf dem weißen zu reduzieren. ) Nur auf diese Weise geben wir der Natur (natürlichen Struktur) der verschiedenen Steine die Helligkeit und den Kontrast und erfassen ihre wesentlichen Merkmale. Wenn wir farbige Objekte in schwarz und weiß zeichnen, wird dieses Problem sehr wichtig. Wir haben zu entscheiden, ob die rote dunkler als das grün ist. Wie blaue Objekte auf einem schwarzen Hintergrund zu zeichnen? Es ist wichtig so zeichnen, dass die Dinge ihr eigenes individuelles Gewicht haben, und nur die ihnen zugewiesenen Helligkeit und Kontrast. So (auf diese Art) gefertigte Zeichnungen sind immer interessanter, als solche, in denen alle Objekte unterschiedlicher Farbe, immer die gleiche Sättigung und Kontrast haben, deren Ausfüllung differenziert werden sollte. Dies ist natürlich nur relevant und gültig wenn die Arbeit realistisch gezeichnet werden soll. Wenn wir abstrakt zeichnen wollen, gilt gerade das Gegenteil:) In der Kindheit wanderte ich in den Wäldern, und zeichnete die Bäume. Ich saß auf den gestürzten Stämmen und beobachtete ihre zitternde Zweige. Hunderte Zweige des Baumes wurden für mich eine vibrierende Form und schwer erkennbare Masse. Ich verstand dann, Asymmetrien, die Vielzahl der Formen mit sich nicht wiederholendem Muster. Ein starker Trend zur Konvergenz der Objekte durch den Geist, indem sie Ihnen eine einfache Form bringt. In diesem Fall wurde es ein hemmender Faktor. Das Gesicht konnte ich mit schnellen Linien in zwei Stücke teilen und sicher stellen, dass es symmetrisch gezeichnet ist. Im Wald war es unmöglich. Jeder Zweig war anders und anders wüchsen die Äste. Es gab viele, Hunderte oder sogar Tausende. Trotz dieser Größenordnung kam ich nicht in Panik. Ich erkannte, dass ich nicht sie alle an der richtigen Stelle platziert soll und fügte sie, wo ich wollte. Es war eine große Entdeckung für mich, ein Kompromiss, zwischen dem “was ich tun wollte” und “was ich tun konnte”. Ich habe mich von der Verpflichtung zur sorgfältigen Kopie der Natur befreit und Freigabe von ihren Entwürfen (dem geschauten Bild erlangt). Ich schloss meine Augen und manchmal zog (zeichnete) ich auch die Zweige nach dem Zufallsprinzip, in Vermeidung unerwünschter Symmetrien. Langsam gewann ich die Fähigkeiten, der richtigen Entscheidung. Eine Zeichnung von meiner Hand zitterte (“vibrierte”) . Linien wurden räuberisch (raumgreifend) und voller Dynamik, den Charakter des Waldes-Dickicht perfekt widerspiegelnd. Was auch immer in der Zusammensetzung der Zeichnung auseinander zu ziehen (zu zeichnen) ist, sie wird immer in ihrer Verteilung (Komposition) auf die Gesamtheit der Platte (das Zeichnungsformat) angepasst. Gezeichnete Bäume waren so groß, dass ich nur einen kleinen Teil zog (Ausschnitt zeichnete). Im Fall von Bäumen ist es nicht schlimm., nur einen Ausschnitt zu zeichnen. Wenn wir den interessantesten Teil, die architektonische Fragmente beobachten, achten wir darauf, dass die wichtigsten Stücke nicht über der Seitenränder des Formates (Zeichenpapier) vorgeschoben werden. Wir müssen uns bewusst begrenzen auf die Beurteilung der allgemeinen Thematik und einen Überblick über die passenden Form auf dem Papier. Wir lassen an den Seiten ein wenig Freiraum, diesen können wir dann leicht mit einigen unwichtigen Details füllen. Ich schließe meine Augen ein wenig und beobachte die wichtigsten Formen des gezeichneten Stücks der Architektur (Grundstruktur). Die Wahrnehmung der Grundstruktur als ein paar Rechtecke ergibt tolle Ergebnisse. Speichernd, planen wir diese in ein skizziert begrenztes Format. Einfach dargelegt: Unter-Teilungen, werden zu einem großen Ton (Gesamtbild), auf diesem sollten die nächsten weniger wichtigen Details angewendet (eingezeichnet) werden. 
Wenn wir die abgerundeten Formen zeichnen, wie: Stillleben, oder die ganze menschliche Figur, ist es hilfreich alle Formen in kleinere gesehene Formen zu brechen. Mit Hilfe der Hilfslinien teilen wir ein Stück Papier in Sektoren entsprechend den Proportionen der gezeichneten Motive auf. Die Linien können auf dem Plan gezeichnete Objekte durchdringen, ohne Angst, dass sie unsere Arbeit zerstören wird. Dadurch wird es eine dynamische Zeichnung und erlaubt dem Publikum, den Prozess ihrer Entstehung zu sehen. Es wird eine Zeit kommen und wird es unnötig (Hilfslinien einzuzeichnen). Wir werden ohne ihre Hilfe, die Planung einer erfolgreichen Komposition vornehmen können. Wir halten sie nur in der Erinnerung, diese werden wie die früheren Teilungen automatisch ausgeführt, ohne überhaupt davon zu wissen.
 Dann können wir viel leistungsfähiger und leichter zeichnen, wonach wir anfangs fragten. Um alle Formen, die in der Natur auftreten, zeichnen zu können und nur durch die Kraft der Erinnerung finden, es ist notwendig, sie auswendig zu lernen.

Wenn man bedenkt man hat hunderte oder sogar 1000 Stunden bei einer Sachforschung (beim Zeichnen) verbracht? In diesem mühsamen Weg gewinnen wir die Fähigkeit, uns diese Formen vorstellen. 
Aber es ist nicht einfach. Es benötigt eine langfristige Aufgabe und ständiges sich daran erinnern. Nachdem (seit) Zugriff auf Fotos halten es die meisten Künstler es für eine unnötige Geschicklichkeit. 
Sie beherrschen jetzt die Fähigkeit, die gesehene Form ” im Speicher zu lagern” um zu zeichnen. Das Leben wird etwas leichter für den Künstler und er kann sich während des Tages etwas anderes vornehmen. Vor einigen Jahren sammelte ich Zeitungsausschnitte, Kalender, bunte Stoff-Stücke und legte sie auf den Tisch und übte aus diesen die Bildkomposition. Ich bewegte sie und setze (positionierte) sie auf unterschiedliche Weise. Es war sehr hilfreich bei der Beherrschung der Kunst der Bild-Planung. 
Ich untersuchte die gesamte Zusammensetzung, wie sie sich verändern, die Intensität der Farbe und Anordnung der Formen und speichere sie. Ergebnis: die künstlerische Freiheit, Zuversicht und Selbstbewusstsein. Gespeicherte Kompositionen konnte ich weiter in den Kopf entwickeln. Im Hinweis auf die Erklärung der verschiedenen Farbsysteme, spielte ich deren Wahl mit Leichtigkeit. Ohne diese innere Sicherheit wird die Arbeit zu einer Qual, weil die einfache Auswahl der Farben nicht mit einem Mangel an verfügbaren Informationen im Speicher durchgeführt werden kann. Dies ist der größte Hemmungsfaktor der Künstler bei der Arbeit. Dann beschränke ich die Farbpalette bei der Vorbereitung der Farbe, und stelle sie mir in Plastikbechern bereit. Sehr oft möchte ich alle mir bekannten Farben malen. Solche Bilder werden sehr interessant, aber in der Menge mit den anderen sind sie sich sehr ähnlich. Sie arbeiten dann alle mit den gleichen Farben, Dutzende von Gemälden haben alle den gleichen Farbton. Um dies zu vermeiden, definiere ich bewusst die Wahl der Farbtöne und dies, bevor ich malen beginne. Es ist wichtig ein künstlerisches Notizbuch bereit zu halten, wo wir unsere Beobachtungen auf schreiben und die zukünftige Bilder planen . Die Form der Aufzeichnung der gesammelten Ideen werden von der Fantasie eines jeden von uns abhängen. Wir sollten immer daran denken: Wenn wir im August scheitern, dann bedeutet, dass keine Lösung des Problems in einer fristgerechten Weise. Dieses Versäumnis ist wie in die tieferen Wasser zu springen, ohne Fähigkeit an der Oberfläche zu schwimmen. Es gibt zwischen uns unfähige, alle können wir alles. Wir haben die gleichen bewussten Stanzen (Prägung /Grundform): den Geist, fähig alles zu lernen. Schnell zu lernen, schneller die Antwort auf den Fragen während der Anwendung zu sagen. Die Suche in einer künstlerischen Arbeit dies ist so eine Befragung und Manche tun es schneller als andere. Viele meiner Freunde versuchten, die Kunst des Zeichnens zu erwerben und erreichten was sie wollten. Das dauerte ein paar Jahre, aber fast jeder hat die notwendigen Grundlagen, und die Dinge sinnvoll gemeistert. Ihr Eifer waren die wichtigsten Werte um dies zu erreichen. Sie flossen als geheimnisvolle Talente aus den Wolken. Was bedeutet es? Es bedeutet Verstocktheit und mühsame Arbeit (ohne Eifer).

Malanleitung3. ARBEITEN MIT FARBE
Das Malen auf Wänden und großen strukturierten Flächen.
Wände sind schwer beiseite zu stellen. Um zügig ein Ergebnis zu erreichen verlangt das Malen auf Wänden eine gewisse Vorbereitung und deswegen genaue Kenntnisse von den eigenen künstlerischen Möglichkeiten und denen, die dir die Materialien zur Verfügung stellen.
Vorbereitung unterstützt die Konzentration auf das entstehende Motiv und verkürzt die Ausarbeitung:
Häufig arbeite ich an großen Flächen mit Acrylfarben.

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ZEICHENKURSE:

Während der Beschäftigung mit der abstrakten Malerei über den Zeitraum eines halben Jahres hinweg, verschwand meine Fähigkeit realistische Zeichnungen anzufertigen. Meine Schwäche, die Formen der Natur sehen zu können, hatte während des unfigürlichen Malens, keine so große Rolle für mich gespielt. Erst während des Einfügens menschlicher Figuren in abstrakte Gemälde ist mir der Verlust meiner zeichnerischen Qualitäten wieder deutlich und klar vor Augen geführt worden. Ich quälte mich ab mit den Proportionen menschlicher Körper, die ich nicht mehr abschätzen konnte. Die menschlichen Konturen der Körper wollten sich nicht mehr zu einem Gesamtbild in der Komposition eines Bildes zusammenschliessen lassen. Etwas das früher einfach für mich war, ist plötzlich schwierig für mich geworden.

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2 Responses to Malanleitung

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